Aqui está uma visão geral dos capítulos:
Parte 01 - "Profissão dos sonhos" fotógrafo de concertos?
Parte 02 - Questões legais
Parte 03 - Especificidades da fotografia de concertos
Parte 04 - Comportamento no "fosso"
Parte 05 - O equipamento adequado para fotógrafos de concertos
Parte 06 - Dicas e truques dos profissionais da (fotografia de concertos)
Parte 07 - Composição de imagem (Parte 1)
Parte 08 - Composição de imagem (Parte 2)
Parte 09 - Configurações recomendadas da câmera
Parte 10 - Pós-produção
Figura 6.1: Quem quer fazer fotos de concertos atmosféricas e extraordinárias precisa, além de um equipamento fotográfico adequado, também de um pouco de experiência - ou pelo menos de algumas boas dicas de fotógrafos experientes. Naturalmente, um pouco de sorte também desempenha um papel. No entanto, como diz o provérbio: "A sorte ajuda os audazes!" Portanto, não devem depender apenas da sorte, pois raramente trarão para casa fotos especiais de um concerto. Aqui o fotógrafo Sven Darmer conseguiu capturar o cantor do Depeche Mode, Dave Gahan, com um fundo de palco marcante (concerto em 9 de junho de 2013 no Estádio Olímpico de Berlim). Canon EOS-1D X com EF 2,8/70-200mm com distância focal utilizada de 142mm. 1/250 segundo, abertura 7,1, ISO 3.200.
(Foto © 2013: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
6.1 Métodos de medição de exposição adequados
Os seguintes métodos de medição de exposição são possíveis com a maioria das câmeras modernas:
• Medição integral (centrada)
• Medição pontual
• Medição matricial
Figura 6.2: Músicos, como todos os artistas, geralmente estão vestidos de preto - um fato que não torna a medição da exposição mais fácil para nós, fotógrafos. No entanto, se o músico mantiver a mesma posição por um certo tempo, às vezes a medição pontual pode ser usada de forma útil. Então, a medição será feita no rosto do artista e assim será possível obter um valor que seja independente da luz de contra do palco. Dessa forma, a pessoa será representada e reconhecível nas fotos. Nikon D800 com 2,8/70-200mm-Nikkor com distância focal utilizada de 120mm. 1/1000 segundo, abertura 5,6, ISO 1000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
Na medição integral, são considerados os diferentes valores de brilho de toda a área da imagem. É ideal, por exemplo, para fotos de férias típicas ou fotos de grandes grupos em condições de luz normais (sem contrastes muito intensos). Na variante centrada integral, a área no centro da imagem é pesada mais fortemente do que as áreas marginais (na Nikon D4, é um círculo no centro da imagem com um diâmetro de 12 mm, que é ponderado em 75%).
Os projetistas da câmera presumem que os elementos do motivo importantes estão geralmente centrados na imagem (por exemplo, em fotos de grupo).
Figura 6.3: Peter Maffay em concerto no Palco Florestal de Berlim (em 28 de maio de 2011). Quando o motivo é composto por áreas escuras e claras em igual proporção (aqui: correia da guitarra, calça) e o restante são áreas neutras claras (aqui: fundo cinza), a medição de exposição integral proporciona os melhores resultados. (Aqui foi usada a medição integral central). Canon EOS-1D Mark IV com EF 2,8/70-200mm com distância focal utilizada de 165mm. 1/250 segundo, abertura 4,5, ISO 1.000.
(Foto © 2011: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
A medição pontual é um método de medição de exposição para fotógrafos experientes; apenas com o uso habilidoso dele se obtêm resultados válidos. Na medição pontual, uma pequena parte da área da imagem é usada (geralmente centralmente) para medir a luminosidade de uma parte específica do motivo. Essa deve ser a parte considerada a mais importante e que deve ser exposta corretamente. Na fotografia de concertos, isso muitas vezes é o rosto do cantor/músico. No entanto, os seguintes pontos frequentemente causam dificuldades aos usuários: primeiro, o tamanho da área de medição, que na minha Nikon D4, por exemplo, tem apenas um diâmetro de círculo de 4mm (o que corresponde a cerca de 1,5% da área da imagem total).
Em segundo lugar, deve-se garantir que a área do motivo que está sendo avaliada tenha uma reflexão de luminosidade semelhante a um cinza de 18%. Pois é nisso que a exposição da câmera é calibrada; a reflexão de um cinza de 18% é o valor de referência, e se a área avaliada do motivo difere em reflexão, a exposição será incorreta. Portanto, apenas motivos nos quais a área avaliada reflete a luz como um cinza de 18% são adequados para a medição pontual de exposição. (Segurar um cartão cinza de referência na frente do rosto do cantor para determinar a exposição correta durante o concerto - eu acredito - é bastante impraticável...). O que também confunde alguns fotógrafos é que a medição de exposição geralmente ocorre no centro do campo de foco ativo.
Isso pode levar a confusões de que ambas as funções possam ser "relacionadas" entre si. No entanto, do ponto de vista do controle da câmera e da lógica, a medição de exposição e o autofocus não têm nada em comum. A medição de exposição é necessária para criar uma imagem que não seja muito clara nem muito escura (a menos que tenha sido escolhido fotografias de alta chave ou baixa chave). Já o autofocus é necessário para capturar uma foto adequadamente focada.
Figura 6.4: Um motivo (com muitas áreas escuras na imagem) que é adequado para determinar a combinação correta de tempo de exposição, abertura e sensibilidade ISO por meio da medição pontual, a fim de obter uma foto corretamente exposta. É importante ao usar a medição pontual que haja uma iluminação constante (aqui: luz do dia) por tempo suficiente para permitir a medição de exposição. Além disso, o artista no palco não deve se mover muito rapidamente, para que a medição de exposição possa ser realizada. Devido ao fundo escuro e à roupa preta do músico, outro método de medição de exposição teria resultado em uma superexposição excessiva, fazendo com que a roupa parecesse cinza e o rosto muito claro. (A menos que se usasse a medição integral ou a medição matricial em combinação com a correção de exposição manual, também chamada de correção de mais-menos). Nikon D800 com 2,8/70-200-mm-Nikkor com distância focal utilizada de 175mm. 1/640 segundo, abertura 4,0, ISO 1.000.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
No método de medição multifield (também chamado de medição de matriz), a imagem é dividida em várias áreas (por exemplo, cinco: um campo no centro e todas as quatro áreas adjacentes). Cada campo é medido (automaticamente) pela câmera e então é calculada uma média disso.
Este método de medição de exposição é recomendado quando, por exemplo, forem fotografados motivos de alto contraste. A ideia é que todas as partes da imagem devem ser consideradas e uma combinação de tempo de exposição, abertura e ISO seja determinada, que possa ser vista como um compromisso de todas as áreas (para evitar áreas explodidas de branco na imagem ou pretas sem detalhes).
Embora haja desenvolvimentos adicionais deste método de medição de exposição por parte dos fabricantes (como por exemplo, a medição de matriz de cor, que também considera as cores no motivo ao determinar o brilho; ou a medição de matriz de cor 3D, que adicionalmente leva em conta as distâncias das áreas do motivo no cálculo), todos os métodos de medição de exposição têm sempre um dilema:
Se as diferenças de brilho no motivo forem muito grandes (= grande alcance dinâmico), então é impossível fazer uma foto adequadamente exposta com uma única tomada. Nesse caso, o alcance dinâmico do motivo é maior do que o da câmera, de modo que inevitavelmente aparecerão áreas na foto que são pretas sem detalhes ou brancas explodidas. A solução seria o HDR; entretanto, isso é completamente inadequado para fotografia de concertos, devido à proibição de tripés na vala e ao movimento dos músicos no palco.
Figura 6.5: Condições de luz não fáceis de lidar são a norma na fotografia de concertos, pelo menos em concertos de rock e pop. Especialmente quando um refletor irradia para a lente da câmera como contra luz (para criar atmosfera), pode acontecer que as pessoas (cantores/dançarinos) no palco fiquem muito escuras na foto. No entanto, a eventual exposição incorreta devido à contra luz pode ser compensada sob certas circunstâncias, como nesta foto, onde as roupas escuras (principalmente pretas) do grupo contribuem na medição da exposição. Assim, os dois extremos (contra luz de um lado; roupas pretas dos artistas do outro) se equilibram. O resultado é uma foto de concerto atmosférica, onde os rostos dos cantores ainda são suficientemente bem enfatizados. US5 em concerto em 24 de novembro de 2007 em Berlim.
(Foto © 2007: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
No final das contas, o fotógrafo deve decidir qual parte (importante para a imagem) do motivo deve ser corretamente exposta. E se ele ou ela aplica o método de medição pontual, integral ou multifield, não faz diferença. O importante é que ele ou ela obtenha o resultado desejado com o método utilizado.
Nota: Este "ajuste" manual feito pelo fotógrafo, baseado nas necessidades do motivo e que envolve a alteração da combinação de parâmetros proposta pela câmera (tempo, abertura e ISO, mantendo a mesma luminosidade da imagem), é de grande importância para a prática fotográfica, tanto que muitos fabricantes de câmeras colocaram essa função no seletor de funções (na Nikon: operado com o polegar direito). Dessa forma, o fotógrafo pode intervir rapidamente e escolher a combinação de exposição que considera correta.
Frequentemente, o fotógrafo prefere fotografar com a abertura mais ampla (então a abertura é aumentada e isso é compensado com um tempo de exposição menor ou diminuindo o valor ISO) ou precisa de um tempo de exposição mais curto, por exemplo, porque os músicos estão proporcionando um show rápido e impactante, que requer um tempo de exposição curto nas fotos (então o tempo de exposição é reduzido e compensado pela abertura da lente ou pelo aumento da sensibilidade ISO). Por outro lado, também há casos em que se deseja aumentar a profundidade de campo, por exemplo, porque todos os músicos no palco devem ser representados nitidamente em uma foto ou onde o fotógrafo necessita de uma exposição um pouco mais longa do que a sugerida para criar determinados efeitos (por exemplo, ao utilizar pirotecnia no show).
A combinação de tempo, abertura e ISO proposta pela câmera é apenas uma possibilidade de exposição correta; ao combinar tempo, abertura e sensibilidade ISO, várias combinações diferentes podem ser escolhidas, todas levando a uma exposição constante. Escolha a combinação que resulta no melhor resultado para o motivo que está sendo fotografado, de acordo com sua visão!
Figura 6.6: Nesta foto, a habilidade artística do guitarrista do BAP deve estar em destaque (concerto em 24 de agosto de 2011). Para isso, escolhi a combinação de tempo, abertura e ISO que permite enfatizar o efeito de nitidez e desfoque (abertura quase máxima). Dessa forma, consegui destacar o guitarrista enquanto o fundo se dissolve completamente em desfoque. Isso faz com que a foto pareça quase uma imagem de estúdio construída - mas dificilmente como um instantâneo de um concerto em um palco relativamente pequeno. Nikon D3S com 1,4/85-mm-Nikkor. 1/125 segundo, abertura 2,2, ISO 1.250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.2 Automática de exposição versus controlo manual
Muitos fotógrafos (especialmente iniciantes com grande ambição) desejam fotografar com configurações manuais de câmera. Eles significam com isso que dispensam os automáticos de exposição e ajustam manualmente o tempo de exposição, abertura e sensibilidade ISO.
Considero por várias razões que este é o caminho errado: Em primeiro lugar, as flutuações na iluminação (o que é bastante comum e altera rapidamente na fotografia de concertos) podem fazer com que tenhamos que ajustar constantemente a combinação tempo-abertura-ISO. No entanto, nós (equipados com um olhar afiado e um cérebro poderoso) nem sempre percebemos essas flutuações; exposições incorretas são inevitáveis. Em segundo lugar, é bastante - bem, vamos dizer assim: corajoso, quando os fotógrafos acham que podem estimar a luminosidade do motivo a ponto de ajustar livremente o tempo, a abertura e o valor ISO. Nosso olho se adapta (muito rapidamente!) às mudanças de luz, de modo que nem sempre percebemos as diferenças; ou só percebemos quando são muito grandes e repentinas.
O caso padrão de ajuste manual é, portanto, também se orientar pelos valores sugeridos pela câmera (automática de exposição). Estes valores, por sua vez, são baseados na medição da exposição interna da câmera; o que nada mais significa do que a diferença entre o ajuste manual dos parâmetros tempo, abertura e ISO e fotografar com um dos três (profissionais) automáticos de exposição (programa, abertura e tempo; o uso do automático de ISO é fortemente desencorajado!) reside apenas no fato de que no primeiro os valores são definidos pelo fotógrafo (mas de acordo com as instruções da câmera automática) e no segundo a câmera ajusta os parâmetros sozinha (por ter escolhido um dos automáticos de exposição).
Figura 6.7: Em concertos clássicos (ou também de jazz, country, música popular, etc.) geralmente não se espera uma iluminação fortemente oscilante. Também menos ou mesmo nenhum efeito de cor (show de luzes) é utilizado; os fotógrafos de concertos podem então contar com uma luz constante e natural (branca), o que simplifica muito o controle manual de exposição. Aqui, Montserrat Caballé foi fotografada durante seu concerto na Filarmônica de Berlim em 31 de janeiro de 2011. Canon EOS-1D Mark IV com EF 2,8/300mm. 1/160 segundos, abertura 2,8, ISO 1.000.
(Foto © 2011: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Figura 6.8: RUNRIG em 29 de agosto de 2012. Quando a iluminação nos músicos (pelo menos por uma duração "feliz", mas indeterminada) for constante, é possível trabalhar bem com o ajuste manual de exposição. Então, também não importa se os holofotes iluminam o fundo, pois o primeiro plano, os músicos, permanecem corretamente expostos.
(Entre essas duas fotos, outras 18 de minha autoria foram fotografadas com a mesma configuração de exposição). Nikon D4 com 1,4/85 mm-Nikkor. 1/250 segundos, abertura 2,5, ISO 2.500.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
Conclusão
Quem - por qualquer motivo - prefere fotografar manualmente, pode fazê-lo à vontade. Na fotografia profissional de concertos, no entanto, como em outras áreas da fotografia, o que importa é apenas o resultado. Portanto, não se deve pensar muito no caminho, mas sim garantir que o resultado seja bem-sucedido. O caminho até lá não importa. (Uma foto não é melhor só porque o fotógrafo utilizou ajustes manuais).
Quem opta por ajustar manualmente o tempo de exposição, a abertura e a sensibilidade ISO deve estar ciente de que as condições de iluminação variáveis exigem ajustes na configuração dos parâmetros de exposição. Portanto, sempre preste atenção se as configurações de exposição estão levando ao resultado desejado ou se uma correção é necessária.
6.3 Utilização da função de disparo contínuo da câmera
Em frações de segundo, refletores ligam e desligam. Devido aos frequentes movimentos rápidos dos músicos no palco, eles bloqueiam (contra-) a luz ou a deixam brilhar em nossas lentes. Décimos de segundos decidem se o artista pisca nos retratos ou faz uma careta infeliz (não fotogênica).
A fotografia de concertos é fotografia de ação, então é recomendável configurar a câmera para a velocidade de disparo contínuo. No entanto, não adianta fazer regularmente uma dúzia de fotos quase idênticas uma após a outra; pelo contrário, é recomendável tirar sempre 2-4 curtos "tiros". Desta forma, o fotógrafo pode fotografar os motivos de forma direcionada e com cuidado, evitando assim o risco de a foto ser inutilizável devido a um momento curto (por exemplo, porque um refletor brilha diretamente na câmera em um breve instante).
Não precisamos nos limitar como fotógrafos de concertos; devido ao curto tempo disponível (geralmente apenas três canções), não precisamos ter medo de que o cartão de memória possa estar cheio antes de sermos retirados da trincheira. E a bateria da câmera provavelmente durará de 3 a 4 concertos seguidos antes que o indicador de carga nos peça para carregar. Portanto, não economize em fotos, mas "atire" nelas!
Figura 6.9: Muitas estrelas do rock têm poses típicas. Capturá-las promove muito a venda da foto. Billy Idol (aqui em 27 de novembro de 2005 em Berlim) é, é claro, um profissional consumado e também um mestre da autopromoção. A configuração de disparo em série na câmera ajuda a selecionar o resultado ideal entre fotos semelhantes. Aquela em que a pose se encaixa perfeitamente, o enquadramento e a exposição estão corretos, e também os detalhes (posição dos refletores, expressão facial, pessoas e equipamentos em segundo plano, etc.) harmonizam de forma ideal. 
(Foto © 2005: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
6.4 Enquadramento – uma visão crítica
Nunca entendi realmente o sentido do enquadramento. Parece um exagero, como atirar com canhões em pardais. E pelo menos na era digital, onde os fotógrafos tiram fotos no formato RAW e editam (pelo menos um pouco) todas as suas fotos, o enquadramento é tão desnecessário como um bócio.
Figura 6.10: O enquadramento faz sentido apenas quando o fotógrafo está inseguro sobre qual exposição é a ideal; ele tenta, dessa forma, obter pelo menos um resultado ótimo a partir de várias fotos com exposições diferentes. No entanto, a fotografia de concertos, com suas condições de iluminação em constante mudança, não é ideal para o uso do enquadramento. Como mencionado várias vezes, a iluminação dos artistas no palco muda constantemente e muito rapidamente. Assim, mesmo com a mesma configuração de exposição, é possível obter resultados totalmente diferentes. Se além dessa incerteza, que se baseia no show de luz, outra incerteza for introduzida, ou seja, a alteração da configuração de exposição durante uma série de fotos, dois fatores de risco se juntam, de modo que o resultado (ótimo) pode ser ainda menos previsível (obtido). Ao utilizar o enquadramento, você se coloca em um terreno muito incerto, fazendo com que os resultados dependam exclusivamente de fatores imprevisíveis. Por exemplo: Se a subexposição associada ao enquadramento ocorrer exatamente no momento em que um holofote está brilhando diretamente na lente do fotógrafo e, portanto, já resultaria em uma subexposição? (Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
Na minha opinião, é muito mais sensato dedicar-se à configuração correta da câmera do que fotografar várias variações de exposição. Mesmo que as configurações no momento da captura não tenham sido totalmente ideais, a foto pode ser "salva" na maioria dos casos graças ao desenvolvimento RAW no Photoshop ou Lightroom. Portanto, concentre-se em uma composição de imagem incomum, capture ótimas cenas do show, fotografe todos os músicos (mesmo que alguns deles sejam desconhecidos). E para verificar as configurações de exposição, basta dar uma olhada rápida na tela da câmera ocasionalmente para detectar e corrigir grandes erros.
6.5 Utilizar baterias totalmente carregadas
Nunca se sabe ... De acordo com este lema, você sempre deve ter baterias totalmente carregadas na câmera quando for fotografar um concerto. Naturalmente, muitas vezes mesmo um sexto da capacidade de uma bateria de alta potência é totalmente suficiente, especialmente porque só é permitido fotografar durante as primeiras três músicas. Mas nunca se sabe o que pode acontecer, se em um impulso a duração da sessão de fotos pode ser estendida ou se um músico novato deve ser promovido. E quem sabe se você não terá a oportunidade de fazer mais fotos antes ou depois do concerto durante uma entrevista (ou antes no ensaio)? Portanto: Carregue a bateria da câmera! (Ou leve uma bateria sobressalente carregada).
Figura 6.11: "Isso é de tirar o chapéu!" Quando Woody Allen pega no clarinete no palco (como neste concerto com sua New Orleans Jazz Band em 22 de março de 2010 em Berlim), fotos de concerto expressivas estão garantidas! Seria uma pena interromper a fotografar prematuramente porque a bateria estava com pouca capacidade restante e agora está completamente descarregada.
(Foto © 2010: DAVIDS / Sven Darmer - www.svendarmer.de)
6.6 Fotografar no formato RAW
Em muitas áreas da fotografia, não é realmente necessário fotografar no formato RAW. O JPEG é totalmente suficiente em termos de qualidade. No entanto, na fotografia de concertos, fotografar no formato RAW é realmente recomendado, mais do que em qualquer outra área, pois aqui lidamos regularmente com fortes contrastes de luminosidade. Áreas brancas superexpostas, onde os refletores estão diretamente na lente, e áreas mais escuras no fundo do palco não são incomuns. Inclusive, muitas vezes os rostos desaparecem; eles ficam muito claros por causa do refletor ser muito forte para a nossa configuração de exposição, ou os rostos estão muito escuros porque os refletores traseiros distorceram a medição de nossa exposição automática.
Ao fotografar no formato RAW, algumas configurações podem ser facilmente alteradas posteriormente (como o balanço de branco) e a exposição pode ser otimizada em algumas aberturas de diafragma.
Figura 6.12: ich & ich com o cantor Adel Tawil no microfone em 1º de setembro de 2010. Na maioria dos concertos, são esperados contrastes de luminosidade difíceis de lidar. É útil fotografar no formato RAW para conseguir recuperar detalhes tanto das áreas claras superexpostas quanto das áreas escuras subexpostas mais tarde no computador. Nikon D3S com 2,8 / 24-70mm Nikkor com distância focal usada de 24mm. 1/1000 segundo, abertura 3,2, ISO 3200.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
6.7 Verificação regular das fotos - com visualização automática (e em tela cheia) das imagens
A grande vantagem da fotografia digital é a possibilidade de controle imediato de imagens (no visor da câmera). Erros podem ser identificados (e, claro, corrigidos) imediatamente. No entanto, essa vantagem só é eficaz se os fotógrafos efetuarem o controle das imagens. Especialmente quando fotografam com pressa no calor do concerto, alguns tendem a esquecer essa necessidade. Ou estão muito agitados e pensam que podem prescindir disso naquele momento. Mas isso é um engano. Muitas vezes vi fotógrafos que, cheios de curiosidade, olharam suas fotos depois de sair da frente do palco e perceberam que, devido a uma configuração incorreta acidental, não podiam levar para casa nenhuma foto útil ...
Portanto, acostume-se a verificar regularmente as imagens, idealmente a cada 10-12 fotos. Uma rápida olhada no monitor da câmera é suficiente. Para economizar tempo, ative a reprodução automática de imagens da câmera. Após cada foto tirada, ela é exibida na tela por alguns segundos. Um toque rápido no botão do obturador da câmera também faz a imagem desaparecer imediatamente.
Também é útil verificar o foco em intervalos maiores. Uma rápida olhada não é suficiente nesse caso; neste caso, é necessário ampliar a imagem. Essa verificação não é tão frequente; uma vez por música deve ser suficiente. (A menos que você tenha problemas frequentes com o foco de suas fotos; nesse caso, verificar isso antes seria o ideal).
Figura 6.13: Quando os fotógrafos estão fotografando com entusiasmo e sob pressão de tempo no concerto (como aqui com Tim Bendzko em 24 de agosto de 2012), pode acontecer de se esquecerem de fazer a verificação regular na tela da câmera para controlar as fotos feitas em relação ao foco, à exposição correta, à composição da imagem, etc. E assim, é comum os fotógrafos passarem os três músicas inteiras fotografando com uma configuração errada (ou inadequada) e só perceberem o erro após sair da área de imprensa, quando já é tarde demais para corrigir. Nikon D4 com lente 2,8/14-24 mm Nikkor, usando a distância focal de 24 mm. 1/80 segundo, abertura 3,5, ISO 3.200.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.8 Fotografar em Preto e Branco às Vezes
A fotografia de concertos, em essência, vive das muitas cores vibrantes (das luzes). No entanto, fotos em preto e branco também podem ser muito atraentes. Recomendo já ajustar o modo da câmera para preto e branco ao fotografar. Assim, ao verificar o monitor, é possível avaliar melhor o efeito. Ao fotografar em formato RAW, as informações de cor não são perdidas; você ainda pode "desenvolver" as fotos em cores.
Contudo, a fotografia em preto e branco não se resume à ausência de cor. Na verdade, trata-se de ver os motivos em preto e branco; o fotógrafo que domina isso consegue distinguir entre motivos adequados para o preto e branco e outros que não ganham com isso, nos quais a cor simplesmente falta.
Figura 6.14: A expressividade especial das fotos em preto e branco (ou, pertencendo à mesma categoria, fotos em sépia) torna a fotografia em preto e branco atemporal; ela ainda está "na moda". Mesmo essa imagem do guitarrista do BAP (em concerto em 24 de agosto de 2011 no Zeltfestival Ruhr em Bochum/Witten) não perde nada com a redução; pelo contrário, ganha (um charme nostálgico) e impacto. Nikon D3S com lente 1,4/85 mm Nikkor. 1/160 segundo, abertura 2,5, ISO 1.250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Nota
• Alguns motivos "exigem" ser fotografados em preto e branco.
• Outros, por outro lado, funcionam igualmente bem em preto e branco e em cores.
• No entanto, há também motivos que talvez não devessem ser fotografados em preto e branco, pois podem perder com isso.
Cabe ao fotógrafo descobrir a qual categoria o motivo em questão, que está sendo fotografado, pertence. Se você optou por fazer fotos em preto e branco, concentre-se nisso durante a sessão de fotos e ajuste sua exibição de imagens de acordo. Isso treina o seu olhar e ajuda a avaliar quais fotos de concerto realmente funcionam em preto e branco e quais não.
Figura 6.15: Uma das poucas fotos que funcionam igualmente bem em preto e branco e em cores. Por fim, a finalidade (uso editorial em um jornal ou em uma revista de música, publicação em uma página de fãs etc.) e seu gosto determinarão para qual versão você opta. Nikon D800 com lente 2,8/70-200 mm Nikkor, usando a distância focal de 125 mm. 1/640 segundo, abertura 5,0, ISO 800.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
