Las características especiales de la fotografía de conciertos son:
- Restricciones legales: Otros (organizadores de conciertos, músicos y sus mánagers) determinan qué se puede fotografiar, cuándo y cómo, y el alcance de los posibles usos (publicación de las fotos).
- Dos aficiones muy divertidas (la música y la fotografía) se fusionan en la fotografía de conciertos, que ha aumentado enormemente su popularidad.
- Apenas existen posibilidades creativas activas para los fotógrafos de conciertos.
- Perspectivas en gran medida predeterminadas, en función del diseño de la sala de conciertos/escenario y del estado de la acreditación.
- Situaciones de iluminación ininfluibles y rápidamente cambiantes que dificultan el control de la exposición por parte de los fotógrafos.
- No debe utilizarse luz propia (por ejemplo, flash del sistema).
- Plazos a menudo extremadamente cortos para hacer fotos (suelen durar sólo tres canciones; a veces incluso menos), lo que significa que los fotógrafos trabajan bajo un enorme estrés, pero al mismo tiempo -como ocurre con los cazadores o los paparazzi- el nivel de adrenalina se dispara.
Figura 3.1: Con el valor de la desesperación: los fotógrafos de conciertos no tienen muchas opciones creativas, no influyen en la iluminación (a menudo difícil) y normalmente sólo disponen de tres canciones para conseguir las tomas que necesitan. Todo esto significa estrés, y entonces a veces "valientemente" haces fotos a plena luz de fondo... Jan Delay en concierto en el Ruhr Tent Festival, 20 de agosto de 2010. Nikon D3S con Nikkor 2.8/24-70mm, con distancia focal 24mm. 1/2000 segundo, Blender 3.5, ISO 1600.
(Fotografía © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Apenas se dispone de posibilidades creativas activas
Especialmente para mí como fotógrafo publicitario, acostumbrado a hacer todo lo posible para planificar el resultado fotográfico con precisión e independientemente del azar e influir en él en el sentido de la idea de la imagen (según mis propias especificaciones o las del cliente), la fotografía de conciertos con sus muchos imponderables no solo es un gran reto, sino sobre todo también un cambio respecto a mi trabajo diario (controlado) como fotógrafo publicitario.
Como fotógrafo de conciertos NO puedo
- ... gritar al artista en el escenario (darle indicaciones escénicas) sobre cómo debe posar mejor para mí; no puedo dar consejos sobre qué pose o qué ángulo respecto a la luz parece más favorable.
- ... organizar la iluminación o la escenografía según mis ideas.
- ... hacer que se repitan las poses o los movimientos de los músicos, por ejemplo para filmar variaciones.
- ... influir en la combinación de colores del vestuario en armonía con la escenografía y la iluminación.
- ... desterrar del escenario los elementos que puedan distraer la atención (como soportes de micrófono, botellas de agua o altavoces a los pies de los intérpretes).
- ... cambiar mi posición de rodaje cuando lo desee.
- ... etc.
Figura 3.2: Por supuesto, me habría encantado gritar a los chicos de Culcha Candela (concierto del 20 de agosto de 2011): "¡Vale, y ahora, por favor, poneos en fila en mi dirección otra vez y saludadme!". ... Pero el saber cómo reaccionaría la seguridad ante tales intentos de intromisión me hizo preferir callarme y así simplemente hice la foto de perfil, lo cual quizá no fuera lo ideal, pero en ese momento no había otra opción. Nikon D3S con Nikkor 4/24-120mm, utilizando una distancia focal de 78mm. 1/160 segundo, Blender 4.0, ISO 3200.
(Fotografía © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Aunque es bastante difícil para un fotógrafo de conciertos imponer su propio estilo fotográfico porque apenas hay oportunidad de intervenir de forma activa y creativa, es precisamente esta circunstancia la que confiere a este tipo de fotografía su atractivo: el fotógrafo se convierte en el cazado (debido al limitado tiempo disponible) y, sin embargo, también es el cazador: siempre al acecho, ansioso por encontrar el momento perfecto en el que la luz, la pose y la técnica de la cámara confluyan de forma ideal; listo para realizar la toma brillante cuando se presente la oportunidad.
En este sentido, la fotografía de conciertos quizá signifique también "volver a los orígenes". Aunque por lo general se utilicen objetivos rápidos y cámaras modernas con un comportamiento de bajo ruido a valores ISO elevados, la batalla material que tiene lugar en otros ámbitos de la fotografía no es posible en la fotografía de conciertos (porque no lo permiten los organizadores).
Además de un equipo de alta calidad y el dominio de la tecnología (de la cámara), lo que cuenta es una buena preparación (si conoces las canciones de los músicos, sabes cuándo usar qué instrumento y cuándo esperar solos o interludios de espectáculo eficaces), reacciones rápidas (por ejemplo, cuando se añaden cosas nuevas e imprevisibles al programa del concierto), impredecibles en la coreografía o cuando un músico se pone especialmente activo), un sentido del equipo adecuado (porque a menudo importa qué objetivo está acoplado a la cámara, ya que se pierde mucho tiempo innecesariamente al cambiar de objetivo), composición artística de la imagen basada en el instinto (¡quien piense en las reglas de composición de la imagen mientras hace fotos ya ha perdido!) y, por último, pero no por ello menos importante, la comprensión de las relaciones fotográficamente relevantes (por ejemplo, del tiempo, la apertura y el valor ISO para poder establecer la combinación deseada de parámetros de forma rápida e independiente del control automático de la exposición de la cámara).
Figura 3.3: Yo y yo el 1 de septiembre de 2010 Aunque los fotógrafos de conciertos no podamos influir en la coreografía, podemos utilizar los medios restantes, por ejemplo con la ayuda de la composición de imágenes, para crear fotos de conciertos que merezcan la pena. Los fotógrafos de conciertos en particular tienen que ser flexibles. Aquí fotografié a Adel Tawil de ich & ich. Nikon D3S con Nikkor 2.8/24-70mm, utilizando una distancia focal de 70mm. 1/500 segundo, Blender 3.2, ISO 3200.
(Fotografía © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Perspectiva(s) en gran medida predeterminada(s)
Salvo contadas excepciones, a los fotógrafos de conciertos no se nos permite situarnos libremente delante o al lado del escenario. Al contrario: se nos asignan determinadas zonas (por ejemplo, el foso del escenario) cuando estamos acreditados. Está bien que podamos movernos libremente dentro del foso; sin embargo, a menudo esto está muy restringido, por lo que nos vemos obligados a trabajar en condiciones que no son las óptimas y, a menudo, en espacios muy reducidos.
Como la mayoría de las tomas se hacen inevitablemente desde el foso, que suele estar situado justo delante del escenario en una posición empotrada, las fotos "típicas" de los conciertos parecen como si los fotógrafos estuvieran tumbados boca abajo en el suelo delante de los músicos.
Pero tal vez este efecto sea intencionado, porque los músicos -incluso los más pequeños- siempre parecen mucho más grandes y "heroicos" de lo que realmente son cuando se les fotografía desde abajo.
Para que la calidad fotográfica no se resienta, hay que procurar que la distorsión resultante de la posición baja de la cámara (que se nota especialmente cuando se utilizan objetivos gran angular) no sea demasiado perceptible. Por supuesto, los fotógrafos profesionales reconocerán inmediatamente el "estiramiento" de los músicos, que de repente parecen tener todos piernas largas. Sin embargo, es fundamental que los espectadores "normales" no noten este efecto o, al menos, que no parezca antinatural o molesto.
Figura 3.4: Culcha Candela el 20 de agosto de 2011: También en este caso, los fotógrafos estábamos de pie justo al lado del escenario, en el foso, lo que inevitablemente dio lugar a una perspectiva extrema desde abajo para todas las fotos (con el efecto de resaltar las extremidades inferiores de los músicos, para regocijo del patrocinador del calzado). Nikon D3S con Nikkor 4/24-120 mm, con una distancia focal de 24 mm. 1/500 segundos, Blender 4.0, ISO 3200.
(Fotografía © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
La posición baja de la cámara desde la trinchera también tiene otros inconvenientes: Con bastante frecuencia, los altavoces y los elementos del equipamiento del escenario bloquean nuestra visión del músico o de los músicos (en su conjunto). Así que sólo en casos excepcionales conseguiremos que los pies y las piernas aparezcan completamente en la imagen.
Figura 3.5: Esta foto muestra claramente lo extrema que puede ser esa distorsión, causada por la posición baja de la cámara y el uso del objetivo gran angular. El pie izquierdo del artista aparece sobredimensionado porque está muy cerca de la cámara. En cambio, la parte superior del cuerpo y la cabeza, que están muy inclinadas hacia atrás, aparecen antinaturalmente diminutas en la foto. Concierto de Dick Brave el 26 de agosto de 2012 en Bochum/Witten. Nikon D4 con Nikkor 2,8/14-24mm, utilizando una distancia focal de 14mm. 1/200 segundos, Blender 2,8, ISO 3200.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Dado que los cables, altavoces y otros elementos de la tecnología escénica se sitúan habitualmente en la parte delantera del escenario, justo delante de nuestras narices, inevitablemente aparecen una y otra vez en las fotos de conciertos (en primer plano y, por desgracia, desproporcionadamente grandes cuando se utiliza un objetivo gran angular). Si no quieres fotografiar estos molestos elementos a pesar de tener una mala visión de los músicos, la única opción para nosotros, los fotógrafos de conciertos, es utilizar objetivos de mayor distancia focal. Sin embargo, esto significa que sólo son posibles los retratos en sentido estricto, al menos con los músicos que están cerca de nosotros en el escenario.
Figura 3.6: Si haces retratos a corta distancia y desde el foso (inferior), tienes que aceptar que las fosas nasales del músico (aquí: Jan Delay en el concierto del 20 de agosto de 2010) quedarán especialmente bien acentuadas (¡pero involuntariamente!) debido a la perspectiva. Si quieres evitarlo, es aconsejable no fotografiar al músico de pie directamente delante (o encima) de ti al borde del escenario, sino utilizar teleobjetivos o teleobjetivos de retrato para fotografiar a los músicos de pie más alejados (porque entonces el ángulo no es tan pronunciado). Este método puede parecer un poco extraño a los observadores de la escena (cuando los fotógrafos fotografían a los músicos de pie más lejos, en cruz, por así decirlo), ¡pero tiene mucho sentido desde el punto de vista fotográfico! Nikon D3S con Nikkor 2.8/24-70mm a una distancia focal de 56mm. 1/1250 segundo, Blender 3.5, ISO 5000.
(Fotografía © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figura 3.7: Una foto "típica" de un concierto: en esta foto (tomada el 31 de agosto de 2010 en el ZFR de Bochum) di "piernas largas" al guitarrista de H-Blockx, lo que inevitablemente se debió a la corta distancia, al uso del gran angular y a la inclinación de la cámara hacia arriba (debido a mi posición más baja de la cámara). El equipo del escenario se puede ver bien en primer plano, pero en este caso no era tan grande como para haber bloqueado mi vista. Nikon D3S con Nikkor 2.8/24-70mm, con distancia focal utilizada de 24mm. 1/500 segundo, Blender 2.8, ISO 5000.
(Fotografía © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Para nosotros, los fotógrafos, es aún peor cuando la seguridad nos asigna una posición que no podemos abandonar en absoluto. Entonces nos obligan a hacer todas las fotos desde ese lugar, independientemente de si es adecuado o no. Una idea terrible para cualquier fotógrafo creativo; pero entonces no queda más remedio que sacar lo mejor de la (ciertamente mala) situación.
Sin embargo, también en otros ámbitos de la fotografía, las condiciones no siempre son ideales. Simplemente hay que intentar hacer fotos especiales con las posibilidades que se tienen. Como fotógrafo profesional, aprendí rápidamente a ser flexible. En estos casos no puedes desesperar, sino que tienes que intentar utilizar tus habilidades a pesar de todas las adversidades.
Figura 3.8: Incluso los retratos de músicos, cuando se toman durante un concierto en directo, suelen mostrar la típica perspectiva desde abajo (con la vista involuntaria en las fosas nasales de la persona retratada; en este caso, sin embargo, tuve suerte de que el artista mantuviera la cabeza gacha, concentrado en su forma de tocar la guitarra).
Capté al guitarrista de BAP en un concierto el 24 de agosto de 2011. Para separar la cabeza del sujeto del (a menudo inquieto) fondo, me gusta disparar con un Blender casi abierto. Mi objetivo favorito para ello (con una distancia focal ideal para retratos cuando estás en el foso justo al lado del escenario) es el Nikkor 1,4/85 mm. De todos modos, suelo reducir ligeramente el diafragma del objetivo (aproximadamente 1 f-stop; en este caso fue 1+1/3 f-stops) para conseguir una mayor nitidez (en comparación con un diafragma totalmente abierto). Nikon D3S con Nikkor 1.4/85 mm. 1/250 segundo, Blender 2.2, ISO 1250.
(Fotografía © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Situación lumínica cambiante e ininfluenciable
Otra condición que hace que la fotografía de conciertos siga siendo emocionante (y también un poco aleatoria) es la cambiante situación de la luz. Dependiendo del estilo de la música y la coreografía, la iluminación puede cambiar a veces con extrema rapidez.
No es raro que la luz cambie en el breve espacio de tiempo que transcurre entre el momento en que el fotógrafo decide pulsar el disparador y la exposición real. Esas fracciones de segundo pueden dar lugar a una toma completamente distinta de la prevista porque la luz ya ha vuelto a cambiar.
Figura 3.9: Wir sind Helden el 25 de agosto de 2011: estas dos tomas se hicieron con un segundo de diferencia y, sin embargo, la iluminación resultó completamente distinta. Así que los fotógrafos de conciertos tienen que reaccionar con rapidez, y a veces también interviene una buena dosis de suerte, porque solo en muy raras ocasiones se pueden predecir los cambios de luz (hora y tipo de iluminación). Nikon D3S con Nikkor 1,4/85 mm. 1/320 segundo, Blender 4, ISO 2000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Lo anterior deja claro por qué los fotógrafos de conciertos prefieren cámaras con el menor retardo de obturación posible. (El retardo del obturador de la Nikon D4 que yo uso, por ejemplo, es de 42 milisegundos, es decir, 0,042 segundos).
Hay que tener en cuenta que la iluminación efectiva que hace que las fotos de conciertos sean tan emocionantes consiste principalmente en la retroiluminación. En combinación con la niebla, la luz efectiva del fondo del escenario produce los extraordinarios efectos luminosos que merece la pena ver.
La niebla es necesaria porque la luz por sí sola no sería visible. Si no hubiera niebla ni partículas de polvo en el aire, sólo se verían las lámparas, pero no los fotogénicos haces de luz.
Figura 3.10: RUNRIG en su concierto del 29 de agosto de 2012 en Bochum. Debido a las partículas de polvo y niebla en el aire, los haces de luz efectivos de los focos son claramente reconocibles. Si, por el contrario, sólo se pudieran ver los focos (es decir, el origen de los haces de luz), la iluminación sería relativamente poco interesante.
Por eso la máquina de niebla es un elemento esencial del espectáculo. Apenas una décima de segundo antes, el guitarrista Donnie Munro seguía suficientemente iluminado de frente por un foco; sin embargo, en el momento en que pulsé el disparador de mi D4, ya estaba apagado de nuevo - y como en el caso de una silueta, sólo se reconocía la silueta del cantante. Sin embargo, esta foto me seguía gustando por su colorida y efectiva iluminación, así que no la solucioné. Nikon D4 con Nikkor 2.8/14-24mm, distancia focal 19mm. 1/80 segundo, Blender 2,8, ISO 2500.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Nota
Aunque el contraluz siempre alberga el riesgo de que los rayos de luz caigan directamente en el objetivo (por lo que se recomienda encarecidamente el uso de un parasol), los problemas con la exposición surgen principalmente de la velocidad a la que cambia el espectáculo de luz. Incluso las situaciones de iluminación difíciles pueden resolverse fotográficamente, dando como resultado buenas fotos. Sin embargo, esto es difícilmente posible si la situación de iluminación cambia rápida y constantemente. Entonces no queda tiempo para pensar; el fotógrafo tiene que actuar de forma intuitiva, por lo que el éxito de las fotos depende siempre un poco de la casualidad (suerte).
Figura 3.11: Aquí, el "rockero del pánico" Udo Lindenberg fue captado perfectamente en el concierto de Berlín del 15 de octubre de 2008, con un "halo". Además de ser capaz de reaccionar con rapidez para pulsar el disparador en el momento adecuado, también se necesita una buena dosis de suerte, porque es sabido por todos los fotógrafos de conciertos que las situaciones de iluminación suelen cambiar más rápido de lo que se puede pensar. En esta situación, el punto de vista bajo del fotógrafo era excepcionalmente ventajoso, ya que este efecto de "halo" no se habría visto tan bien desde más lejos o desde un punto de vista más alto.
(Foto © 2008: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Por supuesto, estaría bien que la iluminación de los músicos y del escenario se coordinara con la de los fotógrafos, pero eso son quimeras que, por desgracia, no son realistas (salvo, quizá, en el caso de las fotos publicitarias encargadas por el grupo). Por lo tanto, los fotógrafos de conciertos estamos condenados pasivamente a aceptar el espectáculo de luces tal y como lo conciben otros (técnicos de iluminación y coreógrafos). A quien tenga dificultades con los cambios rápidos de iluminación, le aconsejamos que empiece a practicar en conciertos donde haya menos "agitación" desde el punto de vista de la iluminación. En los conciertos de música clásica, chansons y música pop, etc., cabe esperar pocos y lentos cambios de luz, así como en los conciertos en pequeños pubs musicales, donde se carece de medios económicos para una luminotecnia de lujo.
Figura 3.12: Wir sind Helden el 25 de agosto de 2011 en el Zeltfestival Ruhr de Bochum/Witten en el embalse de Kemnader. En este concierto, todos los fotógrafos maldijeron en voz alta, porque con las extrañas "lámparas de cocina", que arrojaban una dura luz blanca desde arriba sobre los intérpretes alrededor de la cantante y frontwoman Judith Holofernes, era casi imposible lograr retratos decentes de los miembros individuales de la banda. ¡Los contrastes resultantes eran demasiado fuertes: ¡una luz muy desfavorable (incluso para los músicos!)! Utilicé el ojo de pez para hacer una toma general de todo el escenario, justo al lado del escenario, en el foso. Todas las cosas que suelen estar -y también aquí- en el escenario son claramente reconocibles en esta foto: Botellas de agua para la banda, cables alargadores, "chuletas" con el programa de canciones, tomas de distribución, altavoces y otros equipos del escenario. Nikon D3S con Nikkor 2,8/10,5 mm. 1/200 segundo, Blender 4, ISO 2000.
(Fotografía © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Proyección de color debida a la iluminación del escenario
Las proyecciones de color en el color del foco o focos dominantes son en realidad un efecto deseable en las fotos de conciertos. Imagina que en un concierto sólo se utilizara luz blanca: El resultado sería aburrido. Por eso, la luz de color desempeña un papel nada desdeñable en el ambiente de fiestas y conciertos, y además es mucho más interesante desde el punto de vista fotográfico, al menos en este contexto.
Figura 3.13: Celine Dion en un concierto en Berlín el 12 de junio de 2008. Con luz blanca de aspecto natural, las fotos de conciertos resultan mucho menos espectaculares, incluso cuando hay una estrella mundial sobre el escenario. (Foto © 2008: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
A veces, sin embargo, la dominante de color resultante -especialmente en las caras de los músicos- puede ser demasiado fuerte y tener un efecto poco atractivo o molesto para el espectador. Recuerda: no podemos (¡no debemos!) simplemente "quitar" una dominante de color.
Es interesante ver las diferencias entre los colores:
- tonalidad verde: suele tener un aspecto poco favorecedor porque el músico da una impresión "enfermiza" (el amarillo tiene un efecto similar).
- Tonalidad azul: el azul parece frío; a veces la piel parece un poco pálida cuando se ilumina de este modo.
- Tono rojo: de dinámico a agresivo; va bien con el rock duro y el heavy metal; con un tono rojo fuerte, es difícil debilitar el efecto mediante la saturación del color porque entonces la piel se difumina.
Figura 3.14: Avenida Sunrise el 27 de agosto de 2012: En esta foto, he filtrado un poco el tinte verde en el tratamiento posterior de la imagen en Photoshop para que ya no parezca demasiado molesto. Por lo demás, la luz verde es similar a la amarilla, bastante inadecuada para la iluminación directa de cada músico. Hace que la piel tenga un aspecto enfermizo muy rápidamente. Nikon D4 con Nikkor 1,4/85 mm. 1/800 segundo, Blender 2,5, ISO 2500.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figura 3.15: Avenida Sunrise el 27 de agosto de 2012. Aquí también filtré el tinte azul en Photoshop con ayuda de la saturación del color para que los tonos de piel de la artista no parecieran tan poco naturales y pálidos. Nikon D4 con Nikkor 1,4/85 mm. 1/1000 segundo, Blender 2.2, ISO 3200.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figura 3.16: Tim Bendzko el 24 de agosto de 2012 en Bochum. Solo pude reducir ligeramente el tinte rojo; no pude eliminarlo por completo, porque si se reduce la saturación de color del rojo, la piel palidece muy rápidamente, ya que los tonos de la piel consisten en gran parte en rojo. Nikon D4 con Nikkor 1,4/85 mm. 1/200 segundo, Blender 2,2, ISO 2.000.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Conclusión sobre el tema
Las dominantes de color en las fotos de conciertos son intencionadas; hacen que las fotos sean espectaculares. Sin embargo, la dominante de color también puede distraer en las fotos de personas, sobre todo si desfigura la cara del artista. Un método para reducir este efecto es reducir la saturación del color correspondiente en el tratamiento de la imagen. En este caso hay que tener cuidado de que sólo se haga muy ligeramente, ya que reducir demasiado el color hará que la cara parezca rápidamente pálida y poco natural.
Figura 3.17: Otra forma de eliminar una dominante de color no deseada en el rostro del artista es convertir toda la foto a blanco y negro (o sepia). Este método puede parecer un poco "brutal" a primera vista, pero las fotos en blanco y negro siguen estando "de moda".
Sólo tienes que ver cómo queda la foto en cuestión en blanco y negro, porque no todas quedan igual de bien (o incluso mejor) si les quitas los colores. La foto muestra a Milow en un concierto el 1 de septiembre de 2011. Nikon D3S con Nikkor 1,4/85 mm. 1/160 segundo, Blender 2,2, ISO 1250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Sin flash
Otra particularidad de la fotografía de conciertos es la prohibición de utilizar iluminación propia. Por supuesto, esto se refiere en particular a la unidad de flash de sistema propia del fotógrafo ("flash de pinza"). Hay varias razones para ello:
- El uso de la propia iluminación del fotógrafo (como el flash de sistema) cambiaría el ambiente lumínico (que, al fin y al cabo, ha sido aprobado por los músicos): El espectáculo de luces dejaría de tener sentido en las fotos. Por supuesto, también se puede utilizar el flash de sistema discretamente en primer plano, sólo para iluminar al artista, por así decirlo. Sin embargo, los músicos y sus directivos no pueden dar por sentado que todos los fotógrafos utilizarán la luz con tanta habilidad.
- Cuando se está en el escenario y quizás un poco nervioso por la actuación, la tormenta de flashes que se produciría si se permitiera a los fotógrafos utilizar sus propios flashes de sistema puede distraer mucho a los músicos.
- Si los músicos fueran enfocados directamente a los ojos con un potente flash, podrían quedar deslumbrados y dejar de ser capaces de reconocer correctamente detalles importantes, como las secuencias del programa pegadas en el suelo del escenario, lo que podría provocar incertidumbre o incluso la interrupción (interrupción) del concierto.
- La seguridad también podría sentirse perturbada, ya que una de sus tareas consiste en detectar lo antes posible alteraciones en el público, sacar de la multitud a las personas que se hayan desmayado y evitar que cunda el pánico. Esto se hace más difícil cuando hay una ráfaga constante de flashes procedentes del foso de prensa.
- Y por último, pero no por ello menos importante, el público también puede sentirse molesto. Al fin y al cabo, los constantes flashes procedentes del foso de prensa distraerían innecesariamente del espectáculo real (que tiene lugar en el escenario desde el punto de vista del público).
Figura 3.18: En este caso, el uso discreto de un flash también habría garantizado que el tono azulado de la cara de Bushido (aquí en su concierto de Berlín el 28 de septiembre de 2006) se habría suavizado y la cara habría destacado mejor. Si el flash de sistema se utiliza hábilmente con una potencia reducida, no se destruye el ambiente luminoso de las fotos del concierto y la molestia a los artistas (por el deslumbramiento) es entonces mínima e insignificante. Pero la industria no quiere confiar en que sólo los fotógrafos experimentados hagan fotos de conciertos; siempre hay bastantes personas que obtienen una acreditación que no utilizan su equipo fotográfico con destreza y que realmente molestarían a los músicos con una tormenta de flashes.
(Foto © 2006: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Conclusión
Aunque en teoría fueran posibles otras soluciones (por ejemplo, sólo un discreto "flash de relleno"), es poco probable que en el futuro se permita a los fotógrafos de conciertos llevar y utilizar sus propias fuentes de luz (principalmente flashes de sistema) en los eventos, debido a razones prácticas. Por lo tanto, no nos queda más remedio que aprovechar al máximo la situación (de iluminación). Como ya se ha subrayado: los fotógrafos tienen que ser flexibles si quieren tener éxito en el mercado.
Figura 3.19: Runrig el 29 de agosto de 2012: Si me lo hubieran permitido, habría iluminado la cara del guitarrista. Como no fue posible, simplemente me centré en la guitarra e incluso aumenté los contrastes al editar la imagen posteriormente en Photoshop. Nikon D4 con Nikkor 1.8/85 mm. 1/500 segundos, Blender 2,2, ISO 2500.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
¿Tres canciones?
Como fotógrafo comercial, rechazo trabajos que el cliente programa para menos de cuatro horas. En primer lugar, porque no puedo ser lo suficientemente creativo bajo estrés. Y en segundo lugar, porque sólo fotografiando variaciones garantizo que saldrán fotos excepcionales. Pero para eso necesito tiempo.
Sin duda hay otras razones que hablan a favor de planificar cuatro horas de fotografía como mínimo (por ejemplo, la imposibilidad de planificarlo todo perfectamente hasta el último detalle). Pero las dos razones mencionadas bastan para dejar claro que las fotos excepcionales no se crean por "arte de magia", sino con trabajo duro (diligente).
En este sentido, durante mis primeros encargos como fotógrafo de conciertos me sorprendió bastante que los fotógrafos tuviéramos que trabajar en condiciones tan adversas. Al fin y al cabo, pensaba entonces ingenuamente, los artistas (y también sus managers y los organizadores de los conciertos) deberían estar interesados en que se hicieran las mejores fotos posibles en los conciertos. Sólo las fotos de primera calidad -así pensaba yo entonces- son también un reclamo para el evento correspondiente.
Ahora me doy cuenta de que los fotógrafos "visuales" tenemos prioridades distintas y valoramos las cosas de manera diferente a los músicos (y a todos los que trabajan con ellos): Desde su punto de vista, la acústica puede ser mucho más importante que unas fotos artística y fotográficamente sofisticadas. Es obvio que los fotógrafos vemos las cosas de forma diferente.
Es más, en algún momento, algunas superestrellas (y también las estrellas del cielo del pop, como Britney Spears, por ejemplo) empezaron a imponer cada vez más normas a los fotógrafos, presumiblemente por motivos de vanidad. Por ejemplo, que las fotos sólo pudieran hacerse desde un determinado lugar dentro del foso para mostrar únicamente el "lado chocolate" de la artista.
Y en algún momento, esto también incluyó limitar el permiso fotográfico a las tres primeras canciones de cada actuación. Presumiblemente se trataba de un intento de presentar a los artistas frescos y sin gotas de sudor en la frente (y sobre todo sin manchas de sudor en la camiseta bajo las axilas). (Después de todo, para algunos músicos la imagen es (a menudo) más importante que la propia música).
Otra razón para limitar la duración de la fotografía a sólo las (normalmente las tres primeras) canciones puede ser evitar que los fotógrafos se acrediten para asistir gratuitamente al concierto. (En otras palabras, si los intereses privados son la razón para acreditarse como fotógrafo).
Figura 3.20: Cuando sólo tienes tres canciones que fotografiar, aprendes a trabajar con rapidez y eficacia. Sin embargo, a menudo ocurre que las mejores escenas no llegan a fotografiarse porque los artistas también necesitan un poco de tiempo para entrar en calor. Con Dick Brave (alias Sasha), aquí el 26 de agosto de 2012 con su banda The Backbeats en el Zeltfestival Ruhr, el espectáculo empieza desde la primera canción. Para los fotógrafos, esto significa: ¡poses de macho rockabilly garantizadas desde el principio! Nikon D4 con Nikkor 1,8/85 mm. 1/320 segundo, Blender 2,5, ISO 2500.
(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Conclusión final
Si sólo tienes tiempo para fotografiar tres canciones durante un concierto, esto supone una severa limitación de tus posibilidades fotográficas... ¡pero, por supuesto, también un gran reto! En última instancia, la fotografía de conciertos se ha convertido en lo que es hoy en día principalmente debido a esta restricción: los fotógrafos ya están en un estado de miedo escénico de antemano. Antes, comprueban nerviosos los ajustes de la cámara por décima vez. Se formatea la tarjeta de memoria insertada por cuarta vez y se comprueba la disponibilidad de tarjetas de memoria de repuesto en la mochila fotográfica por quinta vez, aunque, debido a la corta duración de la sesión, ningún fotógrafo se siente avergonzado por tener que sustituir la tarjeta de memoria (completamente llena). (El tiempo es demasiado corto para llenar (sensatamente) de fotos una tarjeta de memoria de 8 o 16 gigabytes).
Esta fiebre escénica o de caza forma parte simplemente de la fotografía de conciertos. Los fotógrafos son conscientes del tiempo limitado de que disponen y están ansiosos por saber si conseguirán llevarse a casa suficientes fotos de éxito. En ningún otro campo de la fotografía he visto a los fotógrafos comprobar sus fotos (aún en la cámara, en la pantalla) con tanta emoción después del evento; en ningún otro lugar la alegría por los resultados exitosos se expresa tan alto como en la fotografía de conciertos y en ningún otro lugar se levanta el puño tan triunfalmente al ver los buenos resultados si el fotógrafo está satisfecho consigo mismo y con las fotos.
Figura 3.21: ich & ich el 1 de septiembre de 2010: el líder Adel Tawil (ahora principalmente en solitario) ofrece un gran espectáculo en solitario durante las tres primeras canciones (la segunda "ich", Annett Humpe, no actúa en los conciertos). A pesar de todo, a los fotógrafos les habría gustado quedarse aún más tiempo, pero apenas hubo quejas cuando la seguridad sacó de nuevo a los fotógrafos del foso después de sólo tres canciones. Nikon D3S con Nikkor 2.8/24-70mm, con distancia focal de 24mm utilizada. 1/1250 segundo, Blender 3.2, ISO 3200.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
